Esta pegando fuerte entre la critica esta película recién estrenada en nuestro país (aunque es del verano del año pasado, vamos que ya esta disponible en los canales habituales). Esto esta provocando que mucha gente se acerque a los cines a ver esta supuesta maravilla y se quede un poco extrañado al encontrarse ante una cosa diferente y bastante particular. ¿Es Drive una obra maestra o un bluff de proporciones épicas? Pues depende de los ojos con los que se mire.

La historia que narra Drive no es algo demasiado novedoso ni que hayamos visto ya en anteriores ocasiones. El protagonista es un conductor «profesional» que se dedica a cualquier trabajo relacionado con las cuatro ruedas, desde ser especialista en escenas arriesgadas de acción a conducir el coche de la fuga en atracos a mano armada. Es un ser bastante amoral que parece únicamente interesado en sus cosas y cuya filosofía de vida parece un poco el vive y deja vivir o yo no me meto en tus cosas, tu no te metas en las mías Pero algo pasa, porque sino no habría película, y es que nuestro protagonista entabla relaciones con su vecinita, una persona bastante modosita, mona, con un niño y cuyo marido esta en la cárcel Poco a poco se van cogiendo cariño hasta que ocurre algo que… no quiero extenderme mucho más para no chafar la película, pero estamos en una de esas situaciones de estar en el lugar equivocado en el momento equivocado y con las personas equivocadas. O también de «quería salirme pero me vuelven a meter dentro». Vamos, un thriller de esos que poco a poco va arrastrando a los protagonistas a su perdición.

Pero entonces, ¿es una película que ya hemos visto decenas de veces? Pues sí. ¿Y por qué es diferente? Porque lo es… en su manera de estar rodada. Es una película lenta, que tiene un ritmo muy pausado y acentuado y cuyos protagonistas más que hablar dejan caer las palabras. Es algo que puede irritar bastante, pero que si los aceptas de buen grado y dejas que te arrastre se disfruta una barbaridad. Si estáis pensando en arte y ensayo estáis en el camino correcto ya que en muchas ocasiones es más un ejercicio de estilo que una película que quiere contar una historia. Incluso el que su protagonista no tenga nombre es un elemento que alude a las películas de Sergio Leone donde Clint Eastwood tampoco lo tenía y era una especie de ser mítico amoral que deshacía entuertos según le viniera en gana.

Uno de sus puntos fuertes y que termina por decantar la balanza es su banda sonora que es totalmente ochentera pero no de los ochenta. Es decir, que no son canciones que se crearon en esa década, sino que se han creado en la actualidad recreando como sonaba la música de entonces y suena tremendamente bien. Es ese elemento que te hace meterte de lleno en la película, como si estuvieras viendo algo de otra época, un cine que hace muchos años que no se hace, aunque en realidad nunca se hizo así.

Drive es una gran película, pero hacen falta los ojos adecuados para verla. Y esos ojos dependen de como vea el cine cada uno, no tiene más ni menos. Pero al menos es algo diferente y eso es algo que siempre se agradece.

No me gusta comentar películas ganadoras de Oscar, pero en este caso por ser de la gran Bigelow haré una excepción.

 
Hacer películas sobre la guerra de Irak es muy complicado porque… no hubo guerra. O no la hubo en el sentido convencional en el que entendemos un conflicto bélico. Ha habido muertos, disparos, bombardeos y todas esas cosas, pero jamás hubo un bando rival. Los americanos entraban en Irak, se iban, volvían a entrar sin que nadie les opusiera gran resistencia. Asi que a la hora de contar la guerra en la gran pantalla, con Tres Reyes estaba casi todo dicho. No es como la guerra de Vietnam, que siempre hay una colina que conquistar, un pueblo de insurgentes que arrasar. O la segunda guerra mundial, que le das una patada a una piedra y tienes una gran historia. Aquí hay muy poco que contar y Jarhead es una clara muestra de ello. La película puede estar mejor o peor rodada, pero la historia es un absoluto aburrimiento. Generation Kill  era mucho más entretenida, pero seguia teniendo el mismo problema, no hay guerra. Y aquí es donde llegamos a esta película.

 
Hurt Locker narra la historia de una unidad de artificieros que se dedican a desactivas las bombas que han ido quedando por territorio iraki, en su mayoría proyectiles de gran calibre sin detonar. Y de eso la película, una bomba, otra bomba, otra más. No hay mucho hilo argumental, ni siquiera es importante ver algunas secuencias en orden. Es más, hasta el último momento de la película no se intuye cierto mensaje, ya que mientras tanto es un poco como: vaya, la mierda de guerra ha dejado Irak como unos zorros. Hay algún que otro mensaje más, pero a mi no me llega demasiado, lo siento. Aún sigo sin entender porque le han dado el Oscar al mejor guión original, porque guión… no hay mucho. 

 

Lo que me importa es la película en sí, que esta rodada de una manera soberbia. Es emocionante, te mantiene expectante a lo que va a ocurrir en pantalla y es una maravilla técnica. Es la Bigelow en plena forma, haciendo que una historia que no da mucho de sí sea algo que se te quede marcado en las retinas. Seguramente en otra edición de los oscars no se hubiera alzado con el premio a la mejor película, pero entre tanta cinta que no llegaba a la excelencia uno se decante por lo seguro, por lo que al menos te ha despertado una serie de emociones, y eso ha sido The Hurt Locker. Gran película, gran directora. Una maravilla.

Con este título, no podemos hablar de otra cosa que una película de ciencia ficción bastante friki cuyo argumento gira sobre viajes en el tiempo. ¿Recordais Shaun of the Dead? Pues esta va de un grupo de amigos que van a su bar favorito a tomarse unas cervezas y empiezan a hablar sobre viajes en el tiempo y películas frikis y todas esas cosas que tanto nos gustan a nosotros. Y entonces, tras una visita rápida a los baños empieza a pasar algo inesperado, algo que implica un viaje al futuro y a partir de ahí…

De nacionalidad británica y de duración muy corta, 83 minutos que se pasan en un suspiro (tiene escena tras los creditos, recordadlo), esta protagonizada por una serie de actores casi desconocidas de no ser por la presencia de Chris O’Dowd, el Roy de IT Crowd, y Anna Faris de… de… Scary Movie, aunque yo siempre la recordare de Entourage. Es una película que ha pasado totalmente desapercibida en todos los medios y que poco a poco se esta haciendo su hueco por el boca a boca de internet. No quiero contar mucho del argumento porque uno de los mayores placeres de la película es ir descubriéndolo por uno mismo. Es una producción bastante modesta, hecha con cuatro duros y algún que otro efecto especial de vez en cuando, pero muy pocos. Lo importante es el guión que es divertidísimo, lleno de giros inesperados, guiños frikis por doquier e ideas terriblemente simpáticas. Con películas de este tipo es cuando te das cuenta que es importante que  contar con un buen guión, o al menos con un guión ciertamente ingenioso, que con miles de millones para gastar en absurdos efectos especiales. No hace falta irse al fin del mundo para encontrar una buena historia, puede que con ir al bar de la esquina sea suficiente.

Es una de esas películas a las que se las coge cariño inmediatamente, así que ya sabes, la buscas en tu medio de descarga habitual y a disfrutar de una buena velada con palomitas.  

Soy uno de esos que detesta profundamente el cine español y que echa pestes de él a la mínima que puede. Reúno todos los tópicos y soy el que siempre habla de la Guerra Civil y de Maribel Verdu cuando dirijo mis furibundas críticas hacia la industria que tan mal subvencionada esta (cero subvenciones seria lo ideal en la mayoría de las ocasiones). El colmo llego cuando me dispuse a ver el Laberinto del Fauno. Tras unos trailers llenos de seres de fantasía y hadas mágicas me encuentro con que la historia se sitúa en plena Guerra Civil Española y una de las protagonista es… ¡Maribel Verdú! Pero ojo, ¡sin desnudarse! Supongo que eso es lo más lejos a lo que se atrevieron a llegar en esta cinta que me dejo muy decepcionado, ya que si quitas toda la historia del Fauno, te queda la misma porquería que llevamos tragando durante años. Con todo esto lo que quiero decir es que soy muy escéptico en cuando huelo algo español en una película, vamos, que ya me tienen perdido nada más empezar. Cuando me dispuse a ver el orfanato tenía mi habitual mal humor de siempre para este tipo de películas. Me daba igual que hubiera ganado tropecientos goyas (eso es mala señal) o que triunfara en taquilla (aún peor), seguro que era una españolada como una casa. ¡Y encima con Belen Rueda! ¿Se puede augurar algo peor? Pues no y seguro que me iba a tragar un truño de cuidado y resulta que…

La película es la historia de una mujer que se muda a vivir con su familia al orfanato en el que ella misma fue criada de pequeña con la intención de remodelarlo y convertirlo en una residencia para niños con síndrome de Down. Sin embargo algo raro parece ocurrir en la casa ya que su hijo empieza a entablar amistad con una serie de amigos imaginarios bastante extraños. Y hasta aquí puedo leer. El argumento suena a típico, ¿verdad? La casa encantada de toda la vida, los fantasmas imaginarios, ese tipo de cosas. Y sí, hay cosas de esas, hay muchas
cosas de esas y la película se engloba en el genero fantástico sin ningún tipo de problema. Pero sobre todo hay una historia, una que te golpea con toda su tragedia en su tramo final con una lógica aplastante y demoledora. Es increíble como se hilvanan una serie de elementos totalmente irreales y propios de películas de terror con
una historia con elementos tan realistas y tan apegados a la realidad.

La interpretación de Belen Rueda no me resulto tan espectacular como algunos pregonan por ahí, correcta y poca cosa más. Muchas veces cuando vemos una gran película se tiende a aportar un gran merito a los actores protagonistas cuando a veces simplemente no hacían otra cosa que estar ahí. No es que haga un mal trabajo, simplemente esta a la altura, como el resto de los actores. Para mi la fuerza de esta película reside totalmente en el guión, bien trabajado, con el toque justo de drama y con ese giro final que resulta tan demoledor. Todo lo demás esta bien, pero el guión es maravilloso.

Una gran película, una grata sorpresa. Si todo el cine español fuera así otro gallo nos cantaría, pero cosas así solo se ven muy de vez en cuando.

Película de 2007 dirigida por Danny Boyle. El sol se muere y la única manera de revivirlo es haciendo explotar una bomba de potencia descomunal en su interior. Para ello un grupo de astronautas a bordo del Icaro II llevaran a cabo la misión de transportar la bomba hasta las cercanías del sol para detonarla y salvar a la humanidad. En teoría la misión esta chupada, la nave esta equipada de unos potentes escudos que les protegerán de las radiaciones solares, un jardín de oxigeno, comida para varios años y espacio de sobra para una ciudad entera. Solo hay que acercarse, soltar el paquetito y a casa para disfrutar de una tarde soleada. Pero claro, si las películas fueran así serian muy aburridas. Al atravesar la zona donde se pierde todo contacto con la Tierra, la tripulación recibe una llamada de socorro de la primera nave que fue enviada a cumplir la misión y de la que nunca jamás se supo. ¿Desviarse del rumbo marcado para ver que les pasó o ignorar completamente la señal de auxilio y seguir su rumbo? Este sera el principio de una odisea que convertirá su misión en un verdadero infierno solar.

Le preguntaban una vez a John Ford porque los indios no disparaban directamente a los caballos en La Diligencia. «¡Porqué entonces no habría película!» Lo mismo le pasa a esta cinta, si la nave hubiera seguido su rumbo, como era su obligación, la cosa hubiera sido un de un sopor insoportable, vamos, que directamente no tendría sentido rodar esto. Es la existencia de problemas, el enfrentarse a situaciones inesperadas, a tener que elegir entre la vida y la misión lo que le da todo el sabor a la cinta y en ese aspecto cumple con creces.

Sunshine es una película de ciencia ficción pura y dura. Aunque no se prodiga mucho en explicaciones, los elementos técnicos están ahí e incluso en la parte final se juega con la incertidumbre que tenemos sobre lo que puede suceder cerca de un objeto con una masa tan descomunal como la del sol. Y como película del genero tiene su gran cantidad de momentos muertos en los que no sucede nada y se deja que la grandeza de la situación llene todo la cámara. Un poco como 2001, pero mucho más blandito claro, que para llegar a esas alturas hay que tomar muchos Cola Caos.

Aún así, esta es una película de la que he disfrutado una barbaridad. No se la recomendaría a gente que no fuera aficionada al genero porque puede llegar a aburrir, pero si lo tuyo son las películas de ciencia ficción «hard» y te
lo pasas pipa viendo como el hombre se enfrenta al terreno más hostil conocido, el espacio, esta es una gran cinta.

Os dejo con un trozo de la banda sonora que es acojonante. Una gran película, no dejéis pasar la oportunidad de verla si sois aficionados al genero.

Siempre he pensado en el Golpe como una secuela de Dos Hombre y un destino. La verdad es que la temática no tiene absolutamente nada que ver, y si habéis visto la película de Butch y Sundace sabréis que no es posible hacer una secuela como tal. Pero es que la base «espiritual» es la misma, a saber, dos  forajidos que se dedican a desplumar al prójimo con mucho desparpajo y una gran sonrisa entre oreja y oreja. Y con los mismo actores, ¡y con el mismo director! Secuela, secuela no es, pero como si lo fuera.

La película es la historia de un gran timo realizado por dos simpáticos estafadores, que son como no podía ser de otra forma, nuestros maravillosos Paul Newman y Robert Reford. Y es que a pesar de que estamos hablando de auténticos delincuentes, la presencia en pantalla de estos dos actores decanta la balanza a su lado, cometan la fechoría que cometan. Es un poco como si te contaran la vida de dos modernos Robin Hood, sabes que robaran al rico para dárselo al pobre. En este caso, el personaje interpretado por Redford, junto con un compañero, robaran «por equivocación» al correo de un peligroso ganster. Este, liquida al compañero y a continuación pretende acabar con la vida de Redford, que huira a otra ciudad, donde se encontrara con Newman y con el que planificara un meticuloso timo para desplumar al malvado ganster y vengar a su compañero.

El golpe gano el Oscar a lo mejor película y su director, George Roy Hill, gano el de mejor diretor con todo merecimiento. Tambien se llevo el de mejor guión, el de música y tres más hasta conformar un total de siete. Es una cinta absolutamente deliciosa y que se disfruta de principio a fin. Esta dividida en cuatro actos como si fuera una película muda de los años 30 y esta llena de ideas ingeniosas y giros de guión inesperados que no hacen más que maravillarte ante lo que estas viendo. Es la película de timos definitiva y no solo es entretenida, divertida y compleja, sino que esta rodada magníficamente. Yo siempre que la veo tengo la impresión que hace mucho tiempo que no se hacen películas de verdad, tan buenas como esta, que en principio parece un mero vehículo de lucimiento para las grandes estrellas de la época, pero que realmente se muestra como un ejercicio maestro de buen cine.

Lo mejor para acabar el post es poner la esplendida banda sonora que seguro que habréis oído cientos de veces a lo largo de vuestra vida, y que merece ser oída unas cuantas veces más. Aunque lo que deberías hacer ahora mismo es buscar la película, una de las mejores de toda la historia del cine.

La mejor manera de recordar a un hombre
extraordinario como Paul Newman es a través de sus películas,
como la que nos ocupa hoy, una película que deberia ser
asignatura obligatoria para todo aquel que no la haya visto.

Dos Hombre y un destino es la poética
traducción basada más en el final de la película
que en el título real, Butch Cassidy and the Sundance Kid. La
película narra la vida de dos de los forajidos más
conocidos del oeste de los pistoleros y su vida de crímenes y
asesinatos. Bueno, realmente narra una vida bastante idílica y
romántica del concepto de forajido, aunque es normal teniendo
a Robert Redford y a Paul Newman como protagonistas. ¿Alguien
se creería que estos dos son realmente malvados? Por no
olvidarse de los intercambios de frases que mantienen entre ellos,
llenos de puro ingenio y frases ocurrentes que te hacen esbozar una
serie continua.

Lo más curioso del argumento de
esta película es que la mayor parte de la misma se centra en
narrarnos la persecución a la que son sometidos nuestros dos
antihéroes por parte de un grupo nutrido de cazarrecompensas.
El guionista William Goldman contaba en su esplendido libro las
aventuras de un guionista en Hollywood, que lo más difícil
de esta película era hacer que la persecución
funcionara, porque prácticamente ocupaba media película
y que tenía bastante temor a que nadie se lo tragara. Sin
embargo en pantalla funciona bastante bien, el director George Roy
Hill da en la tecla correcta y te mantiene expectante ante la visión
lejana de unos jinetes que están siempre ahí, esperando
a que Butch y Cassidy desfallezcan para atraparlos. Es aquí
cuando se produce una de las escenas más recordadas en la
historia del cine, el famoso salto, vamos a verla.

Por cierto, esa escena no es totalmente
original. Goldman la copio de una de sus películas favoritas,
Gunga Din, donde también hay un salto bastante suicida. La
otra escena muy famosa de la película es el final, que es uno
de los más bellos y más crueles de la historia del
cine, de esos que te dejan la piel de gallina al verlo. No voy a
contar exactamente que ocurre pero el dejar la imagen fija es una de
las ideas más geniales que se le ocurrieron al director.
Muchas veces es más importante lo que insinuás que lo
que muestras.

Por supuesto, también esta la
famosa escena de la bicicleta, que aunque este magnificamente rodada
me da un poco de rabia porque mucha gente conoce más el
Raindrops keeps falling in my head que la película en sí
y me parece totalmente injusto, porque no es más que algo
anecdotico dentro del conjunto de la misma. Es como si fuera un
videoclip que diluye bastante el resto de las virtudes de la cinta,
mostrándola como si fuera de un color rosa en vez del
autentico tono sepia con el que termina.

No sé cuantas veces habré
visto esta película ni las que me quedan aún por
verlas. Es una de las mejores películas de la historia del
cine y de las que se disfrutan en todos y cada uno de sus visionados.
En serio, si no lo has visto, no tardes en verla, puede que no se
convierta en tu favorita, pero seguro que pasas un rato divertido
como mínimo y como máximo disfrutaras de una
experiencia maravillosa. Grandes Robert Reford y Paul Newman, que
descanse en paz este último.

Ha llegado el calor y mi primer
chapuzón en la piscina me ha traído gratos recuerdos de una de mis
películas favoritas: el Gran Azul. Si tuviera un top cinco de
películas sin duda esta seria una de ellas. Ahora mismo no sé
cuales podrían ser las otras cuatro (el bueno, el feo y el malo, por
supuesto seria otra de ellas) pero el Gran Azul estaría ahí por
méritos propios. 

Esta película narra la historia de dos
apneistas y la amistad que se va creando entre ellos a través de su
rivalidad por la consecución del record del mundo de inmersión.
Para quién no sepa que es esto de la apnea, es la inmersión a pleno
pulmón. En la película esto consiste en bajar lo más profundo que
se pueda, aguantar un mínimo para la homologación del record y
tirar para arriba. Evidentemente no bajan a nado hasta lo más
profundo, sino que se ayudan de una especie de deslizadores que les
llevan hasta la marca límite. Así muy fácil, ¿verdad? Pues haz tu
lo mismo y baja más de 50 metros, a ver si no te mueres en el
intento.

Volviendo a la película, es difícil
enclavarla en un tipo determinado de genero porque tiene un poco de
todo. Tiene ligero tono de comedia en alguna de sus partes, más
dramático en otras y sobre todo bastante sostiene un ritmo muy
tranquilo y pausado de principio a fin. No quiero decir con esto que
sea una película lenta, sino que se toma las cosas de una manera
tranquila y sobre todo muy relajante para el espectador, al que la
excepcional banda sonora de Eric Serra le envuelve y le transporta a
los lugares en los que se desarrolla la película. Y para una muestra un botón, a disfrutar del inicio de la película:

El Gran Azul, dirigida por Luc Besson
es para mi, la mejor película de toda su filmografía, bastante
irregular por lo general. Además de la belleza de las imágenes que
desprenden la mayoría de sus planos, tiene un guión bastante
intenso en cuanto nos describe a la perfección la rivalidad que
surge entre dos que se consideran amigos y que a pesar de ser muy
diferentes se necesitan el uno al otro. La banda sonora también
contribuye a que el producto sea el mejor posible, estando
íntimamente ligada a cada escena de la película. Es parte de su
éxito y parte de su ser, es indisociable de las escenas que la
acompañan.

Y como guinda del pastel, la película
cuenta con un final estremecedor, brutal y a la vez precioso que te
deja totalmente desolado ante la decisiones tomadas por sus
protagonistas. Ese descenso a las profundidades es una de las escenas
más conmovedoras que me he echado en cara en mucho tiempo. Tienes
que ver esta película, sea como sea, a lo mejor no te termina de
gustar, pero como lo haga te preguntaras como has podido vivir sin
ella. Simplemente maravillosa.

Las diferencias entre la versión
europea y la americana

Esta vez los americanos no consideraron
necesario hacer un remake de la película, pero no podían estrenarla
tal y como les había llegado del viejo continente. Claro, ¿cómo
iban ellos a permitir tal cosa? Lo primero que hicieron fue cambiar
complemente la partitura original, contratando a Bill Conti para este
menester. No tengo nada en contra del bueno de Conti, compositor
entre otras muchas películas de Rocky, pero es que es una autentica
herejia cambiar cualquier nota de la partitura original de Eric
Serra. Sobre todo porque el trabajo que hizo fue para cambiar el tono
de la película y convertirla en algo más tétrico y misterioso.
Atentos al trailer que se montaron los usacos, que es una de las
cosas más espeluznantes que he visto en mi vida.

¿Pero que coño ha sido todo eso?
¿Están locos? Nada de lo que se muestra en el trailer tiene que ver
con la película, que de esta manera parece una película más de
terror que de cualquier otra cosa. No me extraña que se metiera una
buena hostia en las taquillas americanas, ya que lo que prometian no
tenía absolutamente nada que ver con la realidad.

Pero atentos, que no contentos con
todos los destrozos que hicieron decidieron que el final… no
molaba. Aunque voy a poner a continuación los vídeos, no voy a
contar exactamente en que consiste el original, solo decir que los
americanos consideraron que ese tono y ese final no iba con ellos y
que había que cambiarlo de todas, todas.

A continuación el final original, si
no has visto la película no lo veas, sobre todo porque no te vas a
enterar que esta pasando exactamente.

Para mi uno de los mejores finales de
la historia del cine, sin duda. Espectacular. Atentos a la versión
americana, si no la ves no te la puedes creer

Pero… pero… pero… ¡¡¡¡QUÉ
COJONES ES ESTO!!!! Este es el final más absurdo e incoherente que
he visto en toda mi vida y que destroza todo el sentido original de
la película. Yo llegó a ver esto antes que el otro y me hubieran
entrado unas ganas de matar a alguien tremendas. ¿Cómo pueden ser
tan gilipollas estos tíos? En días así me alegro de no haber
nacido en el «nuevo» continente.

Seguro que os suena la
siguiente música:

La han utilizado en infinidad de
trailers, anuncios, montajes televisivos, etc, etc. Yo la tenía
sobre todo asociada al señor de los anillos y con solo echar un
vistazo al Youtube se puede comprobar la cantidad de escenas de las tres
películas a las que les han plantado esta música. Así que por
narices tenía que pertenecer a una película del genero épico, pero
no, en realidad pertenece a un drama centrado en las drogas llamado
Requiem for a Dream y ha sido compuesta por Clint Mansell.

Antes de nada, y aunque estamos
hablando de una magnifica película no se la recomiendo absolutamente
a nadie de corazón débil pues es una de las películas más
turbias, deprimentes y terribles que he visto en mucho tiempo. No
contiene ninguna escena particularmente desagradable (bueno, aquí
entra ya lo que cada uno entiende por desagradable, porque la escena
final de la chica sí que tiene un mal trago de narices), pero la
historia te va atrapando de tal manera en la adicción que cada vez
te va hundiendo más en la desgracia de los protagonistas. Vamos, que
te puede estropear el día sin problemas. Yo particularmente este
tipo de películas las veo cuando tengo encima cierta depresión, así
no hay manera de que me amarguen más de lo que estoy. Porque menudo
mal cuerpo que te deja, sobre todos los últimos diez minutos
finales, que son brutales.

Película dirigida por Darren
Aronofsky, el director de Pi o The fountain, es una de las películas
más desgarradoras y deprimentes que os podéis echar en cara. Narra
la historia de cuatro adictos a las drogas a través de su ascensión,
caída y descenso a los infiernos. Lo peor de todo es que no son
cuatro yonkis al uso, sino más bien gente de clases medía y una
pobre anciana cuyo deseo de acudir a un programa de televisión le
hace caer en el abuso de pastillas para adelgazar y así poder entrar
en su mejor vestido. La verdad es que añadir a la viejecita a la
historia le pega la puntilla definitiva a esta caída en espiral al
mundo de la droga. No se puede decir que sea una historia
excesivamente original, pero la manera de rodarla, el montaje
atropellado y frenetico por momentos y el crear un universo cerrado y
personal donde no parece existir nada más que las obsesiones de los
protagonistas, convierten a la película en una cosa única y
enfermiza a la vez. Atención al trailer que se marcó un fan de la película, es brutal.

Una mención especial a la
protagonista, Jennifer Connely, una de las mujeres más hermosas que
nos ha dado Hollywood y que en este película esta más guapa que
nunca. Atrás quedaron esas voluptuosas curvas que mostraba en
Rocketeer o Mullholland Falls, pero aún conservaba una estupenda
figura a diferencia de la que mostró en la ceremonia de los Oscars,
cuando lo ganó por Una mente maravillosa, parecía famélica. Por
curiosidad he estado buscando sobre su famosa operación de reducción
de pechos y su agente dice que no, que simplemente ha adelgazado. Ya,
claro, sí.

Requiem for a dream es una película
tremendamente buena, pero que no te dan ganas de volverlas a ver
nunca más en tu vida. Menudo mal rato pase con ella. Por cierto, su página web tiene tela, menuda paranoia más brutal. Os juro que me están dando un chungo dandome un paseo por ella.

Esa es la traducción que le
dieron a la película The Natural, protagonizada por Robert
Reford y Glenn Close. Es una película sobre beisbol, con todo
lo que eso conlleva.

Inciso sobre el beisbol: Personalmente
pienso que es uno de los deportes más aburridos que existe
sobre la faz de la tierra. He tratado de ver varios partidos enteros
y siempre me han provocado bostezos varios. Creo que la gracia de
este juego es que de repente el partido puede dar un vuelco
espectacular en cualquier jugada, con el consiguiente subidón
de adrenalina en el espectador. Pero tragarme dos horas para un chute
de 5 segundos no me motiva mucho, la verdad. Sin embargo, creo que es
un deporte ideal como vehículo para contar historias, tal como
esta película, o el Anime Bateadores demuestran. Fin del
inciso.

La película narra la historia de
un muchacho, Roy Hobbs, que esta destinado a ser el mejor jugador de
beisbol de todos los tiempos, tal como demuestra al derrotar con solo
19 años al jugador más valioso de la liga profesional
en ese momento. Pero su carrera se vera truncada por una lunática
obsesionada con disparar al mejor jugador que se encuentre y que por
desgracia presencia la humillación a la que somete nuestro
protagonista al jugador profesional. Tras un disparo, la historia
salta 16 años, donde Roy es fichado por un equipo de segunda
categoría en donde demuestra las habilidades que tiene
bateando todo lo que le lanzan. Poco a poco va entrando en el equipo,
pero se ira mezclando con una trama de corrupción en el
deporte a la vez que las heridas producidas por el disparo se van
agravando. Hasta llegar a la escena final donde… lo contare más
tarde.

El mejor es una de esas películas
que aunque no sea la favorita de mucha gente tiene algunas escenas de
esas que se te quedan marcadas en la retina de por vida. La primera
se refiere al bate que utiliza el protagonista, tallado con la madera
de un árbol que fue alcanzado por un rayo y en el que marca la
palabra “Wonderboy” que le da un aire místico durante toda
la película, sobre todo en la escena final en la que tras caer
otro rayo Wonderboy se parte y aún tiene que batear por última
vez.

Y por supuesto la escena final, algo
épico y digno de figurar en todos los anales de la historia
del cine como uno de los momentos más emocionantes de una
película. Os dejo con ella, me dan escalofríos cada vez
que la veo:

¡Ay la magia del cine! En el
libro en el que esta basado esta película, Roy falla y no
batea la pelota, siendo eliminado, lo que le da un aura más
trágica. Pero, ¿qué director de cine se
atrevería a decirle a Robert Reford que su gran escena final
es un bluff y que va a quedar como un perdedor? Y que gran escena
hubiera perdido el cine, ¿eh?

Pues eso, una película muy
entretenida que a pesar de no ser nada del otro mundo se deja ver muy
agradablemente y sobre todo te deja con una sensación
maravillosa en el estomago. Robert Reford era (es) un actor como la
copa de un pino.